Stages d'une semaine à Pâques et en juillet
Dates : Ces différents stages sont proposés sur une semaine pendant les vacances de printemps et de début d’été aux dates suivantes :
- Du 16 au 20 avril 2012
- Du 02 au 06 juillet 2012
Les horaires sont en cours d’organisation. Si vous êtes intéressés, appelez-nous pour nous faire part de vos disponibilités.
ATTENTION ! - Un stage pourra être annulé s’il ne rassemble pas un minimum de 8 personnes. Vous serez alors prévenus au plus tard une semaine avant le début du stage (vos arrhes vous seront évidemment remboursés).
Votre stage peut être pris en charge, n’hésitez pas à nous demander un devis.
Lieu de Stage :
Studio Alain de Bock
27 rue Marsoulan - 75012 Paris
M° Picpus ou Nation
Tél : 01 44 68 92 29 / 06 09 86 49 79
Tarifs :
Stage de 20h :
• 250 euros pour les stagiaires extérieurs au Studio
• 150 euros pour les élèves du Studio
Stage de 10h :
• 150 euros pour les stagiaires extérieurs au Studio
• 100 euros pour les élèves du Studio
Télécharger le bulletin d'inscription.
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• "Chercher et trouver son clown" dirigé par Fabrice Salé
Stage de 5 jours / durée : 20h
Le but de ce stage sera de chercher ce qu'il y a de plus dérisoire en soi pour créer un personnage qui n’est autre que soi-même. En effet, à la grande différence de la Commedia , le clown ne propose pas un travail sur un personnage défini à l’avance mais une recherche sur soi, sans psychodrame mais avec le désir de se mettre a nu pour montrer ce qu il y a de plus risible en soi. Ce travail de recherche démarre du silence pour aller à la parole.
Le corps doit être mis en évidence avant toute chose dès l’apparition sur le plateau (ex : exercice où le comédien doit simplement ouvrir une porte, regarder le public et repartir).
Vient ensuite le travail sur le théâtre imagé : exprimer avec le corps des états, des situations, sans parler.
Le rire est présent ou pas dans le public mais finalement peu importe, le clown est un personnage risible de son drame : nous rions du dérisoire de l’autre et la sincérité engagée sur le plateau est garante d’une bonne construction de son clown.
Après ces étapes préliminaires, le comédien peut mettre son nez et c’est là que tout démarre vraiment, notamment avec l’exercice inévitable du casting où l’on doit faire rire ! On se sent seul sur le plateau mais rien de grave, l’échec est nécessaire pour mieux appréhender le bide. Après ce travail, le clown peut enfin naître et explorer toutes les ficelles de la dédramatisation.
Peu à peu le clown va construire un numéro qui sera le prétexte ultime pour se mettre en valeur et accéder enfin à la gloire en faisant rire le public, gagnant ainsi l’amour de ceux qui le regardent.
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• "Initiation à la Commedia dell’arte" dirigé par Maud Liermann
Stage de 5 jours / durée : 20h
La commedia dell’arte, théâtre professionnel des comédiens italiens de l’âge baroque, a profondément marqué notre culture occidentale, et cela aussi bien dans les techniques de la création théâtrale, que dans la conception du métier d’acteur, ou dans les formes et les fonctions du comique. Les italiens ont ainsi développé une véritable industrie du théâtre dont les productions résonnent dans toute l’Europe, et notamment en France, marquant profondément notre théâtre des XVIIème et XVIIIème siècles.
On désigne par le terme commedia dell’arte l’activité théâtrale des comédiens professionnels italiens, telle qu’elle se développe selon certaines spécificités entre le milieu du XVIème et la fin du XVIIIème. Pour les contemporains, ce "métier" se différencie de la pratique théâtrale usuelle, classique par une série de marques distinctives telles que le port du masque par la plupart des comédiens, la récurrence de certains personnages, l’absence d’un texte complètement écrit, la recherche de l’effet comique, et un type de jeu qui exploite les ressources de l’expression verbale et physique.
- Dans un premier temps, il est nécessaire de faire un point historique, théorique, pratique et esthétique (contexte, origines, développement, caractéristiques, idées fausses…) de cette pratique qui a couvert deux siècles et demi et qui a donc vu et suivi une véritable évolution.
- Après une présentation des "types", des masques (caractéristiques des personnages récurrents et leur transformation au fil du temps), l’on commencera à s’essayer au masque : recherche physique et vocale, en solo.
- Une fois que chacun aura pris ses marques dans ces personnages, nous commencerons à travailler sous forme d’impro sur des situations simples en duo puis en trio.
- Dans un deuxième temps, l’on étudiera des canevas types, les codes, le rapport au quatrième mur que l’on pourra tester en jeu. Puis créer des canevas par groupe de 2, 3 ou 4.
Cette technique de jeu demande un corps délié et disponible, chaque cours commencera donc par un petit training physique nécessaire que chacun peut suivre à son rythme. Toujours en vue d’une préparation du corps et de son expressivité, il y aura un travail, une recherche corporelle sur les quatre éléments ainsi que sur les animaux.
Le but de ce stage est de découvrir cette discipline fascinante qu’est la commedia dell’arte par le jeu et le plaisir, sentir les libertés et la magie que procure la pratique du masque. Pour être à l’aise dans ces techniques de jeu, il est indispensable d’avoir une tenue confortable mais près du corps, noire de préférence.
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• "Le travail de la voix parlée et le phrasé du vers"
Stage de 5 jours / durée : 10h
La qualité primordiale d’un comédien est d’être non seulement entendu mais de captiver son auditoire. Toute interprétation avec une voix recto tono est ennuyeuse et le spectateur n’écoute plus.
La seule manière d’attirer l’attention du public est pour le comédien le travail du phrasé. L’acteur doit moduler les segments d’un texte pour donner du sens et mettre les plus importants en valeur pour faciliter la mémorisation des éléments essentiels de l’intrigue. L’acteur aide ainsi le spectateur à comprendre la pensée de l’auteur.
Ce travail plus difficile sur les vers mais plus formateur, doit se faire à l’apprentissage du texte en appliquant certaines règles :
L’apprentissage technique des règles du phrasé qui doivent devenir tellement naturelles et intégrées dans le travail, qu’elles aident le spectateur dans sa compréhension du sens d’un texte, et le rapprochent de l’auteur.
Travailler sur le phrasé ; placer la respiration sans tenir compte de la ponctuation écrite ; rechercher des états, des émotions et des actions qui donnent l’intonation générale :
ce travail met en lumière la correspondance parfaite entre le phrasé et les états du personnage.
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• "Le corps dans tous ses états" - initiation au mime dirigée par Maud Liermann
Stage de 5 jours / durée : 20h
Le mime, l’expression corporelle c’est le travail dans le vide, sur le vide et avec le vide. Ainsi il faut s’approprier, apprivoiser ce vide et ce silence pour les mettre au service de son imaginaire. Ici l’on vient essayer et s’essayer à ces techniques dans le but de travailler sur le corps en scène, ce corps qui ne peut être comme dans la vie et qui doit tout véhiculer. Comment lui donner une autre densité, un autre rythme, une autre tension? Comment peut il répondre aux questions Qui ? Quoi ? Où ? Comment ?… Ce stage donne un aperçu de cette discipline, ainsi que de nouveaux outils à l’élève comédien qui peuvent aussi lui servir dans son travail face aux textes et à la création de personnages.
Des improvisations sur des situations simples ainsi que des improvisations avec la musique comme appui.
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• "L’acteur face à la caméra" dirigé par Alain de Bock
Stage de 5 jours / durée : 20h en soirée
Elle a pour objectif d’aider l’acteur à interpréter un rôle devant la caméra. Il doit connaître la spécificité du jeu de l’acteur sur un plateau de cinéma. Il est donc nécessaire qu’il appréhende les techniques de tournage qui interfèrent sur son jeu (comme les différentes focales des objectifs, la profondeur et les limites de champ, mais aussi la terminologie cinéma comme l’échelle des plans, les mouvements de caméra… etc.), et d’intégrer celles-ci dans son interprétation pour maîtriser son expressivité émotionnelle, sa gestuelle, ses déplacements en fonction de ces paramètres techniques. Cette formation doit aussi donner des méthodes de travail pour construire un rôle devant la caméra.
Ce programme propose une progression parallèle de l’acquisition des connaissances techniques nécessaires au jeu cinéma et de l’expérimentation et de l’application sur le plateau de ce savoir. Ainsi que la manière d’approcher puis de construire un rôle.
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• "Initiation à l’écriture de scénario"
Stage de 5 jours / durée : 20h uniquement du 2 au 6 juillet de 19h à 23h
Il est légitime de s’interroger sur la possibilité véritable d’enseigner l’art d’écrire : tout d’abord parce qu’il s’agit d’un acte intime relevant principalement de la sensibilité de chacun, ensuite parce que l’imaginaire en soi est également une affaire personnelle. Toutefois, la réception d’une pièce de théâtre ou d’un scénario est précisément l’élément clé qui peut en justifier l’enseignement, dans la mesure où ils s’inscrivent d’entrée dans un échange avec leur public potentiel. Apprendre les mécanismes narratifs, la structure et la présentation d’un scénario tout en se confrontant, dès le départ, à la perspective d’un auditeur ne peut donc être que bénéfique et formateur.
L’écriture de scénario, cependant, possède un statut tout à fait spécifique — pour ne pas dire unique — dans le champ varié des productions littéraires : son objet, le texte écrit, n’est pas une fin en soi, mais l’une des étapes d’un projet, le film, qui l’englobe.
C’est précisément dans cette perspective que nous nous intéresserons, dans un premier temps, aux connaissances de base, nécessairement théoriques, partant de la construction d’une intrigue, c’est-à-dire de considérations littéraires, pour rejoindre la sphère cinématographique avec des questions de présentation, de découpage et de composition des personnages notamment.
Le recours à des exemples puisés dans la littérature, le théâtre et le cinéma sera fréquent, ainsi que le visionnage d’extraits de films ou de séries.
Chaque cours sera suivi d’exercices d’écriture et d’analyse de scénarios qui auront pour objectif de confronter l’auteur à des notions techniques essentielles (comment écrire un flash-back, comment insuffler du rythme ou du suspense à une scène, comment styliser une séquence ?…).
Nous étudierons aussi bien les constructions des films classiques ou "d’auteurs" que les points névralgiques des scénarii actuels qui privilégient parfois l’efficacité d’un cliffhanger au détriment d’une qualité stylistique et structurale.
La première partie de l’année sera ainsi partagée entre l’apprentissage des bases, des exemples concrets et des exercices, pour donner lieu à l’écriture, par chacun des élèves, d’un court-métrage muet qui sera ensuite tourné à titre d’entraînement.
L’objectif final du cours étant bien entendu de conduire chacun à une autonomie d’inspiration, d’imagination et de création, un deuxième court-métrage, dont le scénario sera préparé durant les mois de février à avril, sera tourné avant l’été. Les écrits de chaque élève seront guidés par le professeur et commentés par l’ensemble des participants dans un esprit d’échange et de convivialité.
Programme :
Etude des bases de l’écriture scénaristique :
Qu’est-ce qu’un scénario ? Savoir distinguer scène et séquence. Comment organiser l’alternance entre les dialogues et les didascalies. Comment déterminer la part d’ "écrit" et la part de "mise en scène" dans le scénario. Quelques notions de présentation typographique.
Exercices :
- Ecrire des dialogues.
- Ecrire un plan-séquence.
Etudier les principaux genres cinématographiques, les différents types de structure d’un scénario, depuis les plus usuels (reprenant les trois actes hérités du théâtre classique) aux plus surprenants (déconstruction de l’intrigue, anonymat des personnages…). Elaborer un thème. Savoir maîtriser les ressorts et les articulations dramatiques entre les scènes. Déterminer le cadre spatio-temporel et les variations rythmiques d’un récit. Inventer et caractériser des personnages. Les fonctions des personnages. Les points de vue et les focalisations.
Exercices :
- Repérer les codes de plusieurs genres cinématographiques (western, soap opéra…).
- Trouver une idée de film et la présenter en 5 séquences.
- Etude d’un thème : la folie dans Aguirre.
- Analyse de la construction temporelle de plusieurs films : Pulp Fiction, 21 grammes, La Haine.
- Analyse d’une séquence de La Comtesse aux pieds nus et repérage des points de vue. Exercice d’écriture d’une séquence de film selon plusieurs points de vue.
Ecriture d’un court-métrage (exercice)
Chacun des élèves construira un synopsis et un scénario d’un court-métrage muet d’une longueur de 4 à 8 minutes à titre d’entraînement.
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• "Découpage et scénarisation" dirigé par Alain de Bock
Stage de 5 jours / durée : 10h
Le découpage est la transposition de la scène écrite en image visuelle. À partir d’une séquence d’un scénario, le réalisateur choisit, parmi des possibilités infinies, tous les paramètres visuels qui correspondent à son désir pour raconter cette histoire. Il doit décider d’un cadre, de l’échelle d’un plan, d’un mouvement de caméra, de la hauteur de celle-ci, de la focale des objectifs, du déplacement, de l’action et du jeu des comédiens dans le cadre, de la lumière, du découpage d’une scène en différents plans, ou d’un plan-séquence fixe ou en mouvement. Tout cela concourt au style artistique du réalisateur, comme l’écriture pour l’écrivain.
Théorie du découpage :
Chaque élément du choix technique du réalisateur doit avoir une finalité expressive. Il peut décider de montrer l’action en plaçant sa caméra au meilleur point de vue, ou filmer au cœur de l’action, comme il peut choisir de rester en dehors de la scène, comme il peut cacher ce qui se passe, utiliser une caméra subjective, etc.
Le réalisateur doit maîtriser le sens véhiculé par l’image.
Programme :
- Théorie de la composition de l’image : lignes, nombre d’or, etc.
- L’échelle des plans
- Les focales des objectifs et leurs effets
- Les mouvements d’appareil
- La hauteur de caméra
- La profondeur de champ
- Les règles de découpage : comment découper une séquence en respectant les raccords de regards, la ligne des 180 degrés. Comment dépasser les règles de découpage et pourquoi ?
- Le champ et le contre champ
- Le jeu de l’acteur dans un cadre.
Analyse de films :
Analyse pratique de séquences de films, plan par plan, pour définir le découpage, les raccords.
Le découpage et le montage visent en effet à produire, à partir d’éléments discontinus (les plans), une narration continue (le film). Cette discontinuité est à deux niveaux :
— discontinuité temporelle : photogramme, plan, scène, séquence,
— discontinuité spatiale : champ et hors champ, contrechamp.
Le plan-séquence, lui, propose une continuité spatiale et temporelle.
Exercices pratiques :
- Exercices de cadrage avec appareil photo
- Exercices de découpage avec caméra.
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• "Interprétation de textes" dirigé par Alain de Bock
Stage de 5 jours / durée : 20h
Ce stage s’adresse à des élèves comédiens qui ont déjà commencé une formation d’acteur, ou qui ont une expérience de plateau, aussi bien au théâtre qu’au cinéma, et qui recherchent de nouvelles approches du travail d’interprétation comme, par exemple, vouloir éviter un jeu mécanique dans la répétition et la représentation d’une scène et être capable de développer son imaginaire dans l’interprétation d’un texte (déplacements, jeux physiques, actions qui ne soient pas une illustration de la scène).
Cette approche s’organisera autour de cinq axes, après le choix du texte (classique ou contemporain) :
Si l’acteur trouve la justesse de la situation, qu’il construit bien son vécu et se concentre sur son objectif, il fera naître des impulsions qui se transformeront en actions physiques ; il écoutera, réagira, jouera au présent, en vivant dans l’instant (ce qui lui évitera l’anticipation de la situation). Alors, il déclenchera son imaginaire, trouvera l'inspiration et vivra un état de grâce qui sera un état créateur. Il ne répétera plus mécaniquement un schéma d’interprétation. Il découvrira l’infime variation de jeu qui engendrera la spontanéité et donnera la sensation d’une aisance parfaite.
Auteurs : Studio Alain de Bock et Katherine Gabelle
Création : Delphine Garcia
Réalisation : ritepac | Bureau des Latitudes