Stages d'été théâtre et cinéma, vacances 2014, Paris

Actualités

STAGES 2015

Stages Théâtre

Stages Cinéma

Stages de 20 à 40 heures :
- stages de printemps : du 20 au 24 avril 2015 ou week-ends des 11-12 avril et 25-26 avril 2015
- stages d'été : du 29 juin au 10 juillet 2015.

Voir le détail des dates, horaires et tarifs.

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Stages Théâtre

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• "Chercher et trouver son clown" dirigé par Maud Liermann

Le masque, quel qu'il soit, permet de jouer avec son corps en entier, tout en abandonnant les gestes accessoires, explicatifs, toutes les fioritures inutiles. Il procure un sentiment de liberté dans une mise en acte claire grâce à laquelle l’imaginaire peut se déployer. Il rend le concept de l’ « ici » et du « maintenant » presque palpable.
Le clown utilise le plus petit masque du monde : le nez rouge! Il ne s’agit pas de créer un personnage extérieur mais de trouver son propre clown, celui qui est en chacun de nous, un soi regardé avec un kaléidoscope. Pour ceux qui ne connaissent pas encore leur clown, c’est la bonne occasion pour le découvrir, et pour ceux qui le connaissent déjà, le travail sera axé sur les règles et conventions du masques toujours avec les improvisations et interventions comiques comme prétexte et base de travail.
Le corps doit être mis en évidence avant toute chose dés l’apparition sur le plateau (ex : exercice où le comédien doit simplement ouvrir une porte, regarder le public et repartir). Vient ensuite le travail sur le théâtre imagé : exprimer avec le corps des états , des situations, sans parler.
Le rire est présent ou pas dans le public mais finalement peu importe, le clown est un personnage risible de son drame : nous rions du dérisoire de l’autre et la sincérité engagée sur le plateau est garante d’une bonne construction de son clown. Après ces étapes préliminaires, le comédien peut mettre son nez et c’est là que tout démarre vraiment, notamment avec l’exercice inévitable du casting où l’on doit faire rire ! On se sent seul sur le plateau mais rien de grave, l’échec est nécessaire pour mieux appréhender son personnage. Après ce travail, le clown peut enfin naître et explorer toutes les ficelles de la dédramatisation.
Peu à peu le clown va construire un numéro qui sera le prétexte ultime pour se mettre en valeur et accéder enfin à la gloire en faisant rire le public, gagnant ainsi l’amour de ceux qui le regardent.

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• "Tragédie racinienne : Diction et phrasé du vers" dirigé par Katherine Gabelle

La qualité primordiale d’un comédien est d’être non seulement entendu mais de captiver son auditoire. Toute interprétation avec une voix recto tono est ennuyeuse et le spectateur n’écoute plus.
La seule manière pour le comédien d’attirer l’attention du public est le travail du phrasé. L’acteur doit moduler les segments d’un texte pour donner du sens et aider à la compréhension de la pensée de l’auteur.
Ce travail plus difficile sur les vers mais plus formateur, doit se faire à l’apprentissage du texte en appliquant certaines règles :
- Pratiquer le soutien des finales.
- Lier les différentes phrases tant que la même idée se développe.
- Savoir déterminer les coupes rythmiques et vocales qui vont délimiter les inflexions.
- Placer ses inspirations et ses pauses.

L’apprentissage technique des règles du phrasé doit devenir tellement naturel et intégré dans le travail, qu’il aide le spectateur dans sa compréhension du sens d’un texte, et le rapproche de l’auteur.
Travailler sur le phrasé, c'est placer la respiration sans tenir compte de la ponctuation écrite ; rechercher des états, des émotions et des actions qui donnent l’intonation générale. Ce travail met en lumière la correspondance parfaite entre le phrasé et les états du personnage.
Nous proposons au cours de ce stage de mettre ces techniques en application à travers des textes de tragédie extraits de l'oeuvre de Jean Racine.

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• "Improvisation et Interprétation de textes" dirigé par Katherine Gabelle

Ce stage s’adresse à des élèves comédiens qui ont déjà commencé une formation d’acteur, ou qui ont une expérience de plateau, aussi bien au théâtre qu’au cinéma, et qui recherchent de nouvelles approches du travail d’interprétation comme, par exemple, vouloir éviter un jeu mécanique dans la répétition et la représentation d’une scène et être capable de développer son imaginaire dans l’interprétation d’un texte (déplacements, jeux physiques, actions qui ne soient pas une illustration de la scène).

Cette approche s’organisera autour de cinq axes, après le choix du texte (classique ou contemporain) :
- L’analyse du texte, par le biais de lectures de table et d’écriture autour du texte, de questionnaires sur les situations, de l’élaboration du sous-texte de la scène pour développer la pensée intérieure, et de la segmentation pour déterminer les grands mouvements intentionnels des personnages.
- L’improvisation sur les événements marquants vécus par les personnages, et qui permet la recherche des émotions, des sensations et des actions. Puis, l’improvisation des scènes elles-mêmes pour rechercher les actions, les états, les émotions et le déclenchement de l’imaginaire.
- L’apprentissage du texte avec les règles du phrasé, le soutien des finales, les accentuations.
- La construction psychique et physique du personnage et sa gestuelle.
- L’interprétation du texte avec les points de passages obligés de la scène qui la structurent en grands mouvements, et la recherche de multiples variations de jeu entre ces repères. Les mouvements, les actions, les déplacements doivent se justifier par rapport au texte et créer une scénographie qui devient la métaphore des désirs du personnage dans la situation et révèle ainsi la structure profonde du texte de l’auteur.

Si l’acteur trouve la justesse de la situation, qu’il construit bien son vécu et se concentre sur son objectif, il fera naître des impulsions qui se transformeront en actions physiques ; il écoutera, réagira, jouera au présent, en vivant dans l’instant (ce qui lui évitera l’anticipation de la situation). Alors, il déclenchera son imaginaire, trouvera l'inspiration et vivra un état de grâce qui sera un état créateur. Il ne répétera plus mécaniquement un schéma d’interprétation. Il découvrira l’infime variation de jeu qui engendrera la spontanéité et donnera la sensation d’une aisance parfaite.

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Stages Cinéma

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• "L’acteur face à la caméra" dirigé par Alain de Bock

L'objectif est d’aider l’acteur à interpréter un rôle devant la caméra. Ce dernier doit connaître la spécificité du jeu de l’acteur sur un plateau de cinéma. Il est donc nécessaire qu’il appréhende les techniques de tournage qui interfèrent sur son jeu (comme les différentes focales des objectifs, la profondeur et les limites de champ, mais aussi la terminologie cinéma comme l’échelle des plans, les mouvements de caméra… etc.), et d’intégrer celles-ci dans son interprétation pour maîtriser son expressivité émotionnelle, sa gestuelle, ses déplacements et ses actions en fonction de ces paramètres. Cette formation donne aussi des méthodes de travail pour construire un rôle pour le cinéma.

Ce programme propose une progression parallèle de l’acquisition des connaissances techniques nécessaires au jeu cinéma et de l’expérimentation et de l’application sur le plateau de ce savoir. Ainsi que la manière d’approcher puis de construire un rôle, réussir un casting.
Il devra apprendre à :
- construire un personnage à partir d'un scénario, et cerner rapidement la situation pour en comprendre les enjeux et donc définir les objectifs de chaque personnage,
- mémoriser un texte dans un temps très limité,
- se préparer seul,
- élaborer son jeu sur une scène sans indication du réalisateur,
- trouver un jeu émotionnel sobre comme pour le travail en gros plan qui oblige à une expressivité neutre,
- bouger et agir dans un espace délimité par l’angle de vision et par la zone de netteté, sans sortir du champ. Plus l’angle est serré, plus il faut apprendre à bouger dans un espace très limité pour ne pas rester figé,
- connaître les impératifs techniques du cinéma,
- improviser sur une situation,
- rejouer une scène dix fois en retrouvant toujours son état,
- élaborer une méthode de travail,
- être créatif et donc imaginer un jeu logique, des actions…
- faire des propositions de jeu pour un casting.

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• "Direction d'acteur face à la caméra" dirigé par Alain de Bock

Ce stage rassemble les élèves-comédiens et les stagiaires-réalisateurs. Il est à la fois un atelier de formation du jeu de l'acteur devant la caméra et un atelier de direction du comédien pour les réalisateurs.
Il s’agit pour un réalisateur de diriger un acteur en tenant compte de la spécificité du jeu devant la caméra tout en répondant aux paramètres de son scénario.
Deux méthodes de direction d’acteurs se côtoient dans le cinéma :
- Une méthode directive qui consiste à montrer et à diriger l’acteur pour qu’il exécute parfaitement la vision du réalisateur, au niveau de ses déplacements, de son jeu , lorsque celui-ci découpe sa séquence en plusieurs plans ; ce qui se matérialise encore plus dans un plan-séquence en mouvement, où tous les déplacements sont prévus et réglés au millimètre pour que la caméra accompagne l’acteur. Bien sûr, on peut imaginer un plan-séquence en caméra portée plus libre accompagnant l’acteur qui improvise.
- Une méthode moins directive où l’on demande à l’acteur d’imaginer le jeu pour profiter ainsi de ce qu’il propose, tout en rectifiant certains points pour qu’il réponde aux nécessités techniques du tournage et au regard du réalisateur. C’est un échange qui demande des répétitions d’ajustement du jeu.

Le réalisateur a donc la nécessité de faire des choix et même d’inventer une méthode pour aider le comédien à travailler sur le scénario, à comprendre les situations, à construire un personnage. Il doit aussi intégrer toutes les contraintes techniques du plateau de tournage, tout en maîtrisant le jeu de l’acteur. Le réalisateur doit aussi analyser et mesurer l’écart qui existe entre l’expressivité du comédien et ce que l’on voit à l’écran, tout en connaissant les variations de cette expressivité suivant l’échelle des plans et les focales des objectifs. Il doit donc apprendre à rectifier ce dosage de jeu.
Il doit aussi comprendre le fonctionnement psychique de ses acteurs, pour obtenir le résultat qui lui convient, et adapter sa demande en fonction du métier de l’acteur, de l’enseignement qu’il a suivi, et de sa personnalité.
Il sera nécessaire que ce réalisateur ait déjà un peu tourné des films, mêmes amateurs.

Le programme comportera une partie sur le déroulement des castings, et une autre avec des petits exercices sur des situations de tournage avec visionnement et analyse.

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• "Découpage et scénarisation" dirigé par Alain de Bock

Le découpage est la transposition de la scène écrite en images visuelles. À partir d’une séquence d’un scénario, le réalisateur choisit, parmi des possibilités infinies, tous les paramètres visuels qui correspondent à son regard pour raconter cette histoire. Il doit décider d’un cadre, de l’échelle d’un plan, d’un mouvement de caméra, de la hauteur de celle-ci, de la focale des objectifs, du déplacement, de l’action des comédiens dans le cadre, de la lumière, du découpage d’une scène en différents plans, ou d’un plan-séquence fixe ou en mouvement. Tout cela concourt au style artistique du réalisateur, comme l’écriture pour l’écrivain.

Théorie du découpage : Chaque élément du choix technique du réalisateur doit avoir une finalité expressive et prendre sens. L'image participe à la narration de l'histoire.
Le réalisateur peut décider de montrer l’action en plaçant sa caméra au meilleur point de vue, filmer au cœur de l’action, ou choisir de rester en dehors de la scène en étant spectateur, comme il peut cacher une action en créant un suspense. Il peut utiliser une caméra subjective, etc.
Le réalisateur doit donc maîtriser tous les paramètres visuels pour véhiculer le sens de l’image.

Programme
Technique de l'image :
- Théorie de la composition de l’image : Lignes et nombre d’or… / L’échelle des plans / Les focales des objectifs et leurs effets / Les mouvements d’appareil / La hauteur de caméra / La profondeur de champ.
- Les règles de découpage : comment découper une séquence en respectant les raccords de regards, la ligne des 180 degrés. Comment dépasser les règles de découpage et pourquoi ? Le champ et le contre champ / Le jeu de l’acteur dans un cadre.
La direction d'acteurs au cinéma : L'action, le regard, l'improvisation, la préparation d'une scène écrite.
Analyse de films :
Analyse théorique de séquences de films, plan par plan, pour définir le découpage, les raccords.

Le découpage et le montage visent en effet à produire, à partir d’éléments discontinus (les plans) une narration continue.

Exercices pratiques :
- Composition de l'image avec appareil photo.
- Exercices de découpage avec caméra.

Alain de Bock a travaillé pendant une vingtaine d'années dans le cinéma (long métrage) comme monteur, régisseur général, premier assistant et directeur de production. Il a aussi réalisé des films industriels et d'entreprises.
Il a été maître de conférences à la Sorbonne en formation permanente cinéma.

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• "Ecriture de scénario" dirigé par Faustine de Bock

Le stage d'écriture de scénario s'organisera selon deux axes :
- L’enseignement théorique.
- L’atelier d’écriture.

Lors de ce stage, nous aborderons ensemble quelques règles de la construction dramatique. Nous réfléchirons aux moyens de rendre expressive la structure du récit (structure ternaire, exposition, incident déclencheur, climax, dénouement...). Nous verrons comment les personnages sont aussi un moyen de construire le récit, nous évoquerons le héros et sa sempiternelle problématique conflictuelle, nous nous pencherons sur la question du point de vue et de la narration.
L'apprenti-scénariste devra donc apprendre à se plier aux principes de la dramaturgie mais il devra surtout comprendre les enjeux de cette forme d'écriture. Il s'agit de faire naître chez le lecteur des images, celles du film à venir. L'acquisition de cette technique d'écriture visuelle, de mise en scène par l'écriture est aussi l'un des points fondamentaux du scénario.
Enfin, grâce à la pratique, nous garderons à l'esprit que « l'outil scénario » ne doit jamais cesser d'être au service de la créativité de son auteur. En ce sens, l'atelier d'écriture s'emploiera à développer l'imaginaire de chacun. Tout au long du stage, nous effectuerons ensemble des exercices d'imagination afin d'accroître les capacités de chacun à décrire et à fictionnaliser le monde, pour aboutir in fine à l'élaboration d'un scénario de court-métrage.

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Planning et tarifs des stages 2015

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Stages de printemps :

Théâtre

Cinéma

 

Stages d'été : du lundi 29 juin au vendredi 10 juillet 2015

Théâtre

Cinéma

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Lieu de Stage :
Studio Théâtre Alain de Bock
27 rue Marsoulan - 75012 Paris
M° Picpus ou Nation

Tél : 06 09 86 49 79

ATTENTION ! -Un stage pourra être annulé s’il ne rassemble pas un minimum de 6 personnes. Vous serez alors prévenus au plus tard une semaine avant le début du stage, vos arrhes vous seront évidemment remboursés.
Les groupes sont limités à 12 participants.
Votre stage peut être pris en charge, n’hésitez pas à nous demander un devis.

Auteurs : Studio Alain de Bock et Katherine Gabelle
Création : Delphine Garcia
Réalisation : ritepac | Bureau des Latitudes

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